Vasil Hadžimanov B4nd. «3»

Sokoj, 2007

Vasil Hadžimanov (k, vo), Vlada Samardžić (bg), Srðan Dunkić (dr), Bojan Ivković (perc, vo), гости: Svebor Šakić (g), Rosen Zahariev Roko (tp, flh)

Общее качество третьего официального релиза группы сербского клавишника Васила Хаджиманова таково, что позволяет простить даже идиотский гипертрофированный смех на несколько голосов, которым он зачем-то открывается. Позиционируя себя как коллектив джаз-роковый и фьюжновый, VHB, безусловно, не лжёт, но в чём-то правильнее было бы не упускать из определения и арт-рок того благословенного периода, когда среднестатистический рокер был самоучкой, а арт-рокер внедрял в современную ему музыку плоды классического образования. Фьюжн здесь – именно та смесь, в которой важно не количество задействованных стилей, а очень естественное, грамотное и содержательно оправданное перетекание одного стиля в другой. Сам Хаджиманов – великолепный клавишник, способный как на острое соло, так и на дисциплинированное аккомпанирование, но область его интересов явно лежит не в демонстрации изумлённой публике самого себя, а в построении сложной ансамблевой конструкции. И конструкция эта зачастую возможна только и исключительно потому, что существует определённые технические возможности клавишных инструментов: примерно по той же схеме работал на своих сольных альбомах Рик Уэйкман, примерно так же строились наиболее интересные композиции Кита Эмерсона сюитной формы, примерно в ту же сторону дышал Чик Кориа периода Return To Forever. Достаточно взять для примера композицию «Do Mooga», в которой не только регулярно меняется тембр клавишных, увлекая за собой и ритмически-эмоциональный характер пьесы, но и используется то ли наложение, то ли игра разными руками на разных «досках» (поди их, синтезаторщиков, пойми). Хорошо вписывается в арт-роковую парадигму и следующая за «Do Mooga» пьеса «Veider’s Report», где появляется в качестве гостя гитарист Свебор Шакич: он совершенно без попытки искать какие бы то ни было компромиссы выбирает весьма жёсткий тембр (ещё не классический distortion, но что-то из весьма хард-рокового арсенала) и начинает играть поверх жёсткого ритмического рисунка в манере, которую не назовёшь иначе как терминами «поливать» и «пилить». Главное во всём этом – то, что VHB не начинает звучать плохо или пытаться выйти за границы своей территории; всё это – к месту, сложная фактура композиций вполне допускает и даже предполагает такие многослойные концептуальные изыски, и у музыкантов всегда хватает такта вовремя остановиться. Заканчивается «Veider’s Report» — и Хаджиманов предлагает балладу «Senija», в которой блестящим образцом чувства меры служит труба ещё одного гостя, Розена Захариева: сказав поверх фортепианного вступления Васила одну короткую фразу, трубач вдруг останавливается и позволяет Хаджиманову закончить мысль самостоятельно. Складывается ощущение, что он словно вставил короткую уточняющую реплику, и раз уж разговор пошёл в нужном направлении – потом ему ещё дадут развить свою ремарку. Дай бог, чтобы все разговоры между людьми шли именно так, без горячечного перебивания, раз уж появилось что сказать.

Хаджиманов, безусловно, подмешивает в музыку балканского колорита, но без фанатизма, не позволяя слушателю чересчур увлечься экзотикой и отвлечься от вполне интернационального по духу содержательного давления, которое создаёт VHB. При необходимости от может пойти в музыкальную театрализацию (как в пьесе с хорошим названием «Speak (And Destroy)», где его клавишные во вступлении заигрывают с публикой, предлагая нарочито комическую аранжировку), а может впасть в гипертрофированную и опять же характерно арт-роковую пафосную серьёзность. Но это – лишь грани таланта, а не поиск разнообразия ради разнообразия: Васил показывает себя прекрасным думающим лидером, создающим цельную, хорошо сшитую и разноплановую программу.

Публикация: не состоялась

Рубрика: рецензия | Метки: , , , , , , , , , , , , , , , | Добавить комментарий

Ewa Uryga. «The Music Touches My Soul»

Note CDN, 2002

Ewa Uryga (v), Mark Soskin (p), Jay Anderson (b), Matt Wilson (dr), Steve Slagle (cl, af), Vic Juris (g)

Джазовые вокалистки, которым изначально довелось говорить не на английском, в основной своей массе не очень любят традиционную американскую вокальную музыку и так или иначе пытаются разнообразить её – кто авторскими инновациями, кто фольклорными штрихами, кто исполнением на родном языке. Чистый же мэйнстрим оказывается, опять-таки в основной своей массе, чисто подражательным, с легко прослеживаемой школой и аналогиями. Польская вокалистка Ева Урыга на этом фоне – счастливое исключение; пройдя обучение музыке и начав профессиональную карьеру именно в Польше, она, тем не менее, занимается именно классической американской околоджазовой музыкой, произносит слова чужого языка без акцента и не заигрывает с собственным происхождением. Неудивительно, что и для альбома ей удалось собрать американских музыкантов, которые охотно сотрудничают с иностранцами, но не бывают замечены в низкокачественных коллаборациях исключительно ради денег. Один пианист Марк Соскин уже в состоянии придать любому альбому высокий статус, а на «The Music Touches My Soul» отметились и другие мастера: тот же Стив Слейгл доказывает свой уровень совершенно потрясающим исступленным соло на кларнете в «Basin’ Street Blues».
Возвращаясь к самой пани Еве, можно сказать, что её явная ориентация на соул – это несомненно правильный и естественный шаг; звучит она в этой музыки совершенно неотличимо от носителей жанра. Диск на самом деле включает стандарты довольно разноплановые – старые блюзы вроде упомянутой «Улицы Бассейной», госпел (великолепно сделана обработка «Operator»), классические баллады («You Don’t Know What Love Is») и собственно соул («I Never Loved The Man»). Склеено всё это воедино совершенно мастерски: когда альбом начинается с вокального вступления к «I Open My Mouth», спетого акапелла, слушатель за считанные секунды настраивается на полновестный альбом адаптированной духовной музыки; когда поддержать Еву выходит барабанщик Мэтт Уилсон, начинающий перкуссионный перестук по высоко звучащим ударным, в происходящем появляется заметная доля современной мультистилистической музыки. А когда дело доходит до «Ain’t’ Misbehavin’», с определённым изумлением обнаруживаешь, что тебя провели от акаппелльного госпел к традиционному свинговому номеру через балладу, и ты ничего не заметил и нигде не передёрнулся.

У Евы прекрасный голос, которым она пользуется в полную силу, от скэта до страстного шёпота и от экстатического крика до мягкого, почти декламационного повествования. Вместе с чувством меры и умением совмещать музыку довольно разных территорий воедино всё это делает «The Music Touches My Soul» замечательным альбомом, которому наверняка найдётся достойное место в списке лучших образцов рождённого в Польше мэйнстрима.

Публикация: не состоялась

Рубрика: рецензия | Метки: , , , , , , , , , , , | Добавить комментарий

The Belgrade Dixieland Orchestra. «Jazz Museum»

SOKOJ, 2008

Ivan Švager (cl), Ivan Maksimović (db), Ljubomir Matijaca (tb), Vladimir Racković (bjo), Sava Matić (tp), Dimitrije D. Vasiljević (p), Branko Popović (dr), гости: Tamas Ittzes (v), Bobana Dordević (vo), Jelena Braika & Golgota Gospel Choir, Bodin Draškoci (tb)

Чтобы по-настоящему испортить диксилендовую музыку, надо умудриться совместить сразу несколько достижений: совсем не уметь играть, крепко выпить и при этом промахнуться на пару метров мимо музыкального контекста происходящего. А чтобы по-настоящему достигнуть диксилендовых вершин, надо, безусловно, исполнять эту музыку вживую для правильных слушателей, а не представлять её в записи, сколь бы хорошей она не была. Белградское комбо играть умеет; но, как ни крути, запись есть запись, и на постоянное к ней возвращение слушателю рассчитывать, наверное, не стоит — при всём классе сыгранного уже на втором прослушивании музыке на хватает спонтанности. А сыграно, безусловно, классно: чувствуется и подкованность, и заинтересованность всех музыкантов в том, что они делают. Банджоист Владимир Ракович рассказывает в сопроводительном буклете, что идею названия «Jazz Museum» следует воспринимать буквально – они-де показывают слушателю коллекцию из 12 действительно музейных экспонатов, с которых начинался джаз как таковой. Владимир, безусловно, и понимает всю субъективность конкретного выбора, и отчасти лукавит (вряд ли джаз начинался с традиционной песни «U Tem Somboru», идущей на диске за номером восемь), но определённые интересные находки тут однозначно есть. В дополнение к хрестоматийнейшим стандартам вроде «Ja-Da», «Nobody Knows The Trouble I’ve Seen» и гарантированно финальной песни о марширующих вот уже второе столетие святых белградский оркестр показывает и несколько корневых диксилендовых пьес, которыми слушателя балуют нечасто. Это, например, «Panama Rag», вписывающаяся в общую идею совершенно естественно.

BDO, пусть и взявшись за «музейную» тему, не претендует на аутентику уличных парадов, чему свидетельством как наличие в составе фортепиано, так и привлечение в качестве гостей объёмного хоря под руководством Елены Брайки. Да и стационарные ударные Бранко Поповича озвучены весьма по-современному и по-европейски, временами даже как-то удивляя слух слишком уж отчётливым упругим звучанием того или иного конкретного барабана. Но все эти нюансы однозначно малозаметны на фоне самой музыкальности коллектива, разнообразия вокальных партий (особо стоит отметить хриплый вокал на «Ice Cream», принадлежащий предположительно всё тому же Раковичу) и обязательной для диксиленда энергии. Хорошая пластинка, которую можно и нужно включать на разнообразных праздниках на открытом воздухе тогда, когда нет возможности пригласить живой состав.

Публикация: не состоялась

Рубрика: рецензия | Метки: , , , , , , , , , , , , , , , , , | Добавить комментарий

Alma Mićić. «The Hours»

SOKOJ, 2008

Alma Mićić (vo), Brandon McCune (p), Sean Conly (b), Gregory Hutchinson (dr), Riley Bandy (as), Rale Mićić (g)

Записанный в Нью-Йорке на двухдорожечную аппаратуру альбом сербской вокалистки, поэтессы и композитора Альмы Мичич – хороший пример того, как малоизвестный представитель неанглоговорящей страны совместно с малоизвестными представителями сегодняшнего американского мэйнстрима может создать вполне конкурентоспособный материал, с которым не стыдно заявляться на достаточно большую сцену. Вот будет ли эта заявка результативной – это вопрос, к сожалению, совершенно отдельный: та балладно-ориентированная музыка с серьёзной концептуальностью текстов, которую создаёт Альма, недурно воспринимается на слух и под настроение, но захотят ли промоутеры регулярно видеть её на сценах клубов (где людям требуется что-то погорячее) или на сценах фестивалей (где людям требуется что-то поизвестнее)? Возможно, для раскрутки альбома имело бы смысл пригласить в состав действительно заметных гостей, что не так уж и нереально – Мичич перебралась в Штаты ещё в 2000-м году после курса обучения в Беркли и наверняка имеет достаточно контактов в нужных кругах. С другой стороны, и верность собственному квартету делает ей честь: если уж исполнять авторский материал и вкладывать в пение не только тембр, но и душу, то явно есть смысл работать с музыкантами, которые понимают происходящее до определённой и не так уж и просто достижимой глубины.

У Мичич хорошо поставленный голос, мастерство владения которым вполне компенсирует определённую тембральную специфику: говоря коротко, её может быть тяжеловато слушать помногу, учитывая её склонность к высоким нотам, которые явно чуть более высоки, чем требует её собственный комфорт. С другой стороны, определённое напряжение в голосе соответствует и высоким материям, о которых она поёт, и работает в качестве логичного дополнения к весьма умеренному звучанию сопровождающего трио: Брэндон МакКьюн, Шон Конли и Грегори Хатчинсон крайне редко играют хоть сколько-то авторитарно, в основном оставаясь под солистом и исповедуя общий балладный стиль. Это несколько странно, учитывая, что они могут выдавать и хороший свинг (как в «April in Paris», одном из немногих стандартов диска), и интересные живые соло (как пианист МакКьюн в том же «April In Paris»), и любопытный ансамблевый подъём эмоциональной планки на более серьёзные высоты (как в завершении открывающей альбом пьесы «Threads»). Перед Альмой в результате стоит задача не только вести за собой музыкантов идеологически, но и как-то разнообразить общее звучание, и она подходит к этому достаточно творчески. Ей случается пойти в скэт (что, положа руку на сердце, не самая сильная сторона её таланта), выбрать в качестве исполняемого материала фольклорную изюминку (традиционная черногорская песня «Oj Djevojko Milijana» весьма удачна), адаптировать к мэйнстримовой стилистике духовные гимны («Holy Holy Holy» и «Sweet Sweet Spirit», из которых последний наиболее естественен). В общем и целом Мичич достигает главного – показывает, что современное джазовое пение в мэйнстриме может быть крайне далеко от какой бы то ни было развлекательности, не теряя своей чисто джазовой сути и красоты. Ну, а то, что красота каждым понимается по своему – это и есть то великое свойство человеческого характера; кто-то будет вечно любить только Эллу Фитцджеральд, у которой она совсем другая, кто-то найдёт своё в творчестве Альмы Мичич. Всё остальное – уже не музыка, а вопрос её раскрутки.

Публикация: не состоялась

Рубрика: рецензия | Метки: , , , , , , , , , , , | Добавить комментарий

Up To Date. «Imagination»

BCD Records, 2004

Adam Bałdych (v), Rafał Stępień (k), Kuba Cywiński (b), Bartek Rojek (dr), Waldek Ruda (perc), гости: Marek Raduli (g), Patryk Woliński (s), Mirek Misiak (g), Irena Kijewska (vo), Michał Malicki (vo)

Несколько странный по наполнению, но весьма симпатичный (а потому ещё более странный) релиз польской группы Up To Date в общем и целом выдержан в духе современной фьюжн-музыки с некоторыми элементами этники, но содержит в отдельных пьесах столь мощные «выбросы» в сторону, что не упомянуть о них невозможно. Можно бы было начать с того, что один из явных лидеров и основных композиторов коллектива, скрипач Адам Балдич, играет на электрическом инструменте и как по звучанию, так и по фразировке по-хорошему напоминает Жана-Люка Понти образца восьмидесятых годов. Но создавшееся представление о музыке наверняка несколько сломается, если сказать, что первая же пьеса, «Strange Pancake», начинается ни много ни мало с вполне аутентичного интро восточного духового инструмента (не обозначенного в выходных данных альбома) и с восклицания «Аллах Акбар»; после двадцати секунд такого заметно встряхивающего начала слушателю предлагается вполне энергичное развитие тематики того самого Понти, но стоит перестроиться на неё, как ритм ломается вновь, и пьеса превращается в элегантную балладу с хорошим соло на электронных клавишных Рафала Стемпеня. Перенастроились на балладу – получите ещё раз «Аллах Акбар» и смену тембра солирующей скрипки. Вторая пьеса угостит открывающим латиноамериканским перестуком перкуссионных, который, однако, опять вернётся к идеям Понти в лучшей их форме (самое время упомянуть, что именитый француз обязан своим упоминанием вовсе не тому, что поляки его копируют, просто очень уж удачно он нарисовал границы определённой музыкальной территории, на которой вполне хватает неизведанных мест и для Up To Date). Но и это не предел: титульная композиция, «Imagination», заставляет вспомнить уже скорее Маркуса Миллера (правда, вновь не прямолинейно — в самых сладких его проявлениях, на которые Миллер не очень щедр). Привыкнете к Миллеру – будет «Pelesn», теперь столь же явно и неявно напоминающая о Майке Стерне. Смиритесь со Стерном – будут вновь аналогии с Понти (в споре знаменитостей он явно побеждает). А последний нож в спину надежды на содержательную цельность альбома – три последних трека, обозначенные как «Up To Date и друзья»: дело в том, что друзья эти не только играют, но и поют. Михал Малицки в пьесе с настораживающим (и правильно!) названием «Song From Heaven» поёт по-английски и до дрожи напоминает теперь уже даже тембром покойного Хайрама Буллока. В «Dopoki Mam Czas» появляется Ирена Киевска, поющая уже по-польски в ритмике, скорее напоминающей диско, чем какой бы то ни было джаз; а в припеве, в котором русское ухо начинает улавливать какие-то знакомые слова, всё это окончательно превращается в хорошую, отлично и вкусно сыгранную, но вполне чётко классифицируемую эстрадную музыку. Закрывающую же альбом «Wszystko Zapisane Jest» впору отправлять на «Евровидение», чтобы там с почётом проиграть. И если вдруг вы забыли, то ещё раз стоит напомнить – всё начиналось с «Аллах Акбар».

Up To Date – команда, которой удаётся в наше непростое время сделать почти невозможное: преподносить слушателю сюрприз за сюрпризом, не выходя за рамки хорошо известных и хорошо разработанных музыкальных направлений. Кажущаяся стилистическая каша на самом деле сварена очень грамотно, а приправлена ещё лучше: неочевидность переходов и метания группы оставляют ощущение сюрприза, но никак не неестественности. Если это осознанный ход продюсера альбома (коим указана сама группа) – то можно только аплодировать как за сам столь рискованный трюк, так и за твердую «четвёрку», которой он заслуживает. Ну, а если это действительно творческие метания, то надо признать, что всё могло бы быть существенно хуже, и искренне пожелать полякам выбрать своё направление из числа тех, что ассоциируются с Понти или Стерном. Остальное пусть останется просто фактом в биографии. В конце концов, участникам группы на этой записи всего по восемнадцать-девятнадцать, и это нельзя игнорировать точно так же, как и то, что дай бог всякому обладать таким инструментальным мастерством в этом возрасте.

Публикация: не состоялась

Рубрика: рецензия | Метки: , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , | Добавить комментарий

Конзилиум. «Уживо»

SOKOJ, 2008

Бранко Триjиħ (g), Марко Кузмановиħ (perc), Мирослав Товирац (b), Богдан Ћукиħ (perc, v), Реља Свилар (perc), Александар Груjиħ (p)

Сербский ансамбль «Конзилиум» (Konzilium в латинице) изначально был основан гитаристом Бранко Триджичем, на тот момент студентом Амстердамской консерватории, в 2003 году; в 2007-м Бранко возродил его, на сей раз в Белграде, превратив полуголландское трио в чисто сербский секстет и не сохранив ни единого музыканта из первого состава. Не самое ординарное решение, но с подобными решениями у Триджича всё нормально: «Уживо», то есть, в более привычных терминах, «Live», записан 23 декабря 2007 года на фестивале «December Plays Jazz», и это первое публичное выступление ансамбля в этом составе. Здоровой наглости братьев-славян можно бы было только позавидовать, если бы по ходу выступления им (что вполне естественно) не начало слегка изменять чувство меры: например, композиция с дивным названием «Убиħу те, ту’ħу те» («Я тебя убью, я тебя побью») представляет собой спонтанную яростную перекличку всех задействованных в группе перкуссионных инструментов, и её содержательная ценность ничуть не выше, чем у столь популярных в Москве псевдо-этнических перкуссионных ансамблей с неизбежными поддельными кубинцами и бразильянками. И это печально, потому что весь остальной альбом (хотя правильнее говорить – концерт) – это хороший и в меру разнообразный этно-джазовый материал, в равной мере основанный на изобретательной гитаре Триджича, великолепном пульсирующем слэповом басе Мирослава Товираца и зажигательной ритмике, в которую делают свой вклад сразу трое участников коллектива. Первая пьеса, «0 0 0», напоминает о бессмертном «The Rite Of Strings» Жана-Люка Понти, Стэнли Кларка и Эла ДиМеолы, пусть в ней и играет серьёзную роль фортепиано Александара Груджича (этого инструмента на приведённом в качестве аналогии альбома попросту нет). «Конзилиум» легко и органично справляется со сложными неровными размерами, не теряя в то же время ощущения полёта – пожалуй, это вообще один из наиболее интересных и доступных для иностранца вариантов склеивания традиционных джазовых рецептом и балканской тематики. Недаром вторая композиция называется «Мои балканские штуки», и гитара Триджича здесь начинает выписывать сложную вязь поверх вроде бы совершенно американизированной партии баса и фортепиано. Впрочем, «Конзилиум» не стесняется пробовать и другие территории – в композиции «Skair» Триджич обращается ни много, ни мало к ирландскому фольклору и на полном серьёзе начинает наворачивать такое, что в каком бы то ни было джазе совершенно не принято: тут впору запускать в зал грамотно построенные шеренги каких-нибудь «магических ног». Время от времени с прекрасными и пронзительными соло проявляется скрипач Джукич, который в остальное время вносит свой посильный вклад в перкуссионную батарею; и неизменно хорош Мирослав Товирац, показывающий как минимум несколько разноплановых почерков игры на бас-гитаре, то проводящий равномерный сочный пульс через вычурно сложные размеры, то подкрепляющий расслабленные пьесы редкими жирными всплесками слэпа, то требующий к себе особого внимания через агрессивные и виртуозные аккомпанирующие риффы.

«Конзилиуму», к сожалению, удалось крепко подпортить собственный альбом уже упомянутой «Я тебя убью» и тем, что они, похоже, полностью сохранили в записи аплодисменты, которыми публика вызывала их на бис: слушать полторы или две минуты неистовых оваций, безусловно, приятно, но только самим музыкантам и членам их семей; нормальный же слушатель явно предпочёл бы более быстрый переход к собственно музыке, судя по всему, представляющей собой спонтанную импровизацию на несложную гармоническую сетку на понятном джаз-роковом ритмическом рисунке. Здесь вновь блистает Товирац, из-под слэпа которого регулярно пробивается с великолепным многословием фортепиано Груджича, Триджич уверенно режет целину вслед, а остальные добивают в своих перкуссионных всё то, что не добито за предыдущий час выступления. Немудрено, что публику это заводит ещё больше – это действительно классный джаз-роковый сет, с благородным лёгким налётом этники, который не стыдно показать на сколь угодно больших фестивалях. Словом, следующие альбомы «Конзилиума», если они тоже «уживо», покупать стоит с известной осторожностью, но вот на концерт стоит идти однозначно и без лишних рассуждений: то, как сербы вносят во фьюжновую музыку «свои балканские штуки», одновременно качественно, симпатично и легко.

Публикация: не состоялась

Рубрика: рецензия | Метки: , , , , , , , , , , , , , , , , , | Добавить комментарий

Sławek Jaskułke 3yo. «Sugarfree»

2004, BCD Records

Sławek Jaskułke (p), Krzysztof Pacan (b), Krzysztof Dziedzic (dr)

Выбрав первой композицией альбома «Don’t Even Swing», молодой польский композитор и пианист Славек Яскулке довольно удачно обозначил этим названием стилистику всей своей работы. Это высококачественный авторский джаз, построенный не столько в рамках современного пианизма, сколько от него: Яскулке одновременно и не желает игнорировать существование в мире множества разнообразных и привлекательных течений, и не хочет впадать в приготовление столь распространённого нынче винегрета из стилей. В той же «Don’t Even Swing» он выбирает вполне традиционный фортепианный рифф, с которого начинается произведение (нечто подобное могло быть сыграно и в семидесятых), но требует от барабанщика прямолинейнейшей игры роковых четырёх четвертей, очевидной до степени отторжения. В результате рождается очень любопытный эффект – два навязанных друг другу стиля не сливаются и не смешиваются, их взаимодействие больше похоже на взаимное отталкивание двух магнитов, которые кто-то пытается совместить одинаковыми полюсами; и в то же время нельзя не помнить о том, что это своеобразный физический фокус, что у каждого магнита есть правильный полюс и достаточно лишь немного переместить всю конструкцию, чтобы она щёлкнула и самостоятельно приняла устойчивую форму. И побеждает в этой игре противоположностей, разумеется, фортепиано (просто потому, что именно Яскулке – лидер проекта), отсюда и общее джазовое (а не роковое) впечатление от пьесы.

В дальнейшем Славек будет неоднократно использовать сходные приёмы, с умом и тактом их разнообразя. Квинтэссенция их – пожалуй, композиция с ещё одним говорящим названием «Rhythm Changes», где аналогичным образом по ходу пьесы выломано всё, что только можно выломать; но снова и снова Яскулке удаётся остановиться в шаге от того, чтобы утерять слово «джаз» в определении его музыки, снова и снова он пробует чисто джазовый и почти мэйнстримовый пианистический подход к разным областям, не пуская правила этих областей собственно в пианизм. Отличное подтверждение его мастерства – баллада «Sonni», сыгранная почти соло, в которой всё новаторство ограничивается лишь очень и очень скупым использованием специфических обертонов «нагруженных» струн (то ли он кладёт на них какие-то предметы, то ли приглушивает рукой, если это вообще не воображение слушателя). В остальном – это именно баллада, сложная, многоплановая, с прекрасным развитием и глубиной, изобилующая хорошими паузами. И затем, словно на контрасте с ней, Славек преподносит «U No Who I M», одну из безусловных жемчужин альбома, начинающуюся с медитативного тревожного рисунка на препарированном фортепиано и переходящую в нервное повествование клавишных на фоне откровенного акустического drum’n’bass.
«Sugarfree» — отличная работа лидера, которому всего двадцать пять, и прекрасный образец современного польского джаза: эта национальная школа всегда стояла особняком и не собирается сдавать позиции, о чём убедительно свидетельствуют подобные альбомы.

Публикация: не состоялась

Рубрика: рецензия | Метки: , , , , , , , | Добавить комментарий

Diatribes & Barry Guy. «Multitude»

Cave12, 2010

Barry Guy (db), D’Incise (laptop, objects), Cyril Bondi (dr, perc), Benoit Moreau (cl)

Diatribes – шумовой проект двух швейцарцев, барабанщика Сирила Бонди и скрывающегося под псевдонимом d’Incise электронщика, настоящее имя которого – Лоран Петэ. Как и у любого авангардного состава, у Diatribes есть своя претензия: основатели проекта считают, что настоящая спонтанная импровизация не может создаваться постоянным составом участников, для которых даже свободное развитие музыкального материала оказывается после некоторого количества сессий в определённой степени предсказуемым. Поэтому Бонди и Петэ привлекают для сотрудничества всё новых и новых приглашённых гостей, выступая и записываясь обязательно в формате «Diatribes + Гость»; каждый из новых партнёров, независимо от его веса в авангардном сообществе, изначально в курсе того, что время его присутствия в коллективе ограничивается парой-тройкой выступлений и одной-единственной записью, лишь в крайних случаях, если речь идёт о концертном туре, выходя за эти рамки. По результатам проведённых выступлений музыканты обычно отмечают, что получившаяся музыка оказалась действительно свежей и непредсказуемой – но для среднестатистического слушателя, положа руку на сердце, шумовая музыка всегда остаётся шумовой музыкой, и несколько разных её ипостасей отличаются разве что набором задействованных инструментов и звуковой атакой.

У Diatribes есть одно несомненное преимущество: основатели дуэта трезво относятся к коммерческим перспективам своего детища и потому не только активно выступают на вполне адекватных условиях, но и запросто выкладывают свои записи в сеть для свободного скачивания в качестве «без потерь». Для этого у них существует собственный сетевой лейбл, Insubordinations, и с его помощью можно при желании составить исчерпывающее представление о том, как звучит «Multitude». Правда, сам диск с известным английским контрабасистом Барри Гаем там всё-таки не выложен (Гай – фигура в мире импров-музыки весьма известная, связанная собственными контрактными обязательствами). Но, тем не менее, шумовая музыка остаётся шумовой музыкой, и от констатации этого факта так же невозможно абстрагироваться, как невозможно описать происходящее словами. Ключевые моменты? Пожалуйста. Во-первых, образованное с участием Гая трио играет, как правило, весьма негромко, заметно сдерживая свои порывы. Во-вторых, во всём альбоме не найдётся ни одной мелодической линии, которую услышал и идентифицировал бы непривычный к импров слушатель. В-третьих, барабаны и перкуссия Бонди столь же хаотичны и подчинены в первую очередь задаче извлечения звуков непонятной природы, как и все остальные инструменты. В-четвёртых, среди «объектов», на которых играют музыканты, найдутся и типичные образцы бытового мусора, и еловые шишки. Какого при этом эффекта добиваются музыканты – в состоянии понять только тот, кто живёт в такой музыке и способен отделить её идею от её звучания. Главным тут остаётся, пожалуй, не столько полученный звук, его громкость, тембральные характеристики, динамика и так далее, сколько способность слить собственную индивидуальность с индивидуальностью исполнителя и оценить, в какой степени броуновское движение чужих душ оказалось переплавлено в звук. Больше, по большому счёту, не нужно ничего: всерьёз анализировать обоснованность применение еловых шишек для извлечения звука – значит впадать в бесполезное умничание. Бесполезное ещё и потому, что гости Diatribes играют при необходимости и на аналоговых синтезаторах, и на ракетках для большого тенниса.

Музыка Diatribes – это в первую очередь музыка для живого слушания, когда аудитория просто-таки вынуждена затихнуть (звучит-то всё, как уже сказано, весьма негромко) и попытаться услышать в бесстыдно откровенном хаосе, производимом другим человеком, свой собственный хаос. Если он в вас есть – вы получите удовольствие от этой музыки и будете ей искренне аплодировать. Если вы не даёте себе признаться в том, что он в вас есть – возможно, подобный концерт как раз и заставит вас сделать первый шаг. Ну, а если в вас действительно нет хаоса, то вы просто читаете эту рецензию под дулом пистолета – ведь так?

Публикация: сетевой журнал «Полный Джаз» (01.07.2012)

Рубрика: рецензия | Метки: , , , , , , , , , , | Добавить комментарий

Raphael Wressnig. «Party Factor»

BHM, 2010

Raphael Wressnig (org), Craig Handy (ts, f), Harry Sokal (ss), Gordon Beadle (ts), Christian Bachner (ts), Horst-Michael Schaffer (tp), Scott Steen (tp), Robert Bachner (tb), Werner Puntigam (tb), George Jantscher (g), Alex Schultz (g), Luis Ribero (perc), Silvio Berger (dr), Lukas Knofler (dr)

Австрийский органист Рафаэль Врессниг – довольно заметная фигура на европейской сцене. Его стилистика, предсказуемо близкая к основам, заложенным работами Джимми Смита и Джои ДеФранческо, идеально подходит для самых разномастных фестивалей – как зальных (где важна в первую очередь джазовая составляющая), так и открытых (где на первый план выходит хороший грув и теперь уже фанковый колорит его музыки). Неудивительно, что в своих странствиях Врессниг встречает огромное количество музыкантов, которые в той или иной степени выказывают желание поработать с ним на постоянной или разовой основе. Один из результатов этой активности – «Party Factor», причём слова эти можно трактовать и как название конкретного альбома, и как полуофициальное название коллектива, для него собранного. В обычном своём состоянии Рафаэль концертирует в трио (с барабанщиком Лукасом Кнофлером и гитаристом Георгом Янтшером), а в «Party Factor» музыкантов собирается до семи человек на трек. Правда, состав этот весьма переменный, так как альбом писался двумя сессиями (строго говоря, даже не предполагавшимися к изданию – Врессниг просто использовал свободное время в студиях, нанятых для записи совсем других проектов, чтобы зафиксировать собственный материал). Классический случай, когда количество переходит в качество: получившийся бэнд, в котором один только тенор-саксофон представлен тремя весьма различными персоналиями, весьма хорош. Необычно для созданной музыки и то, что она на поверку оказывается куда менее «органно-ориентированной», чем на прочих работах Вресснига: выступая в качестве основного композитора (лишь три из одиннадцати пьес принадлежат не ему) и лидера группы, Рафаэль больше обеспечивает грувовую подложку, чем полноценно солирует – и, похоже, получает вполне искреннее удовольствие от игры товарищей. Словом, ориентироваться на упомянутые имена Смита и ДеФранческо в данном случае не нужно: это вполне актуальная и современная фьюжновая музыка с хорошей долей фанка и соула, весьма и весьма ритмичная, спускающаяся до балладных темпов скорее по рекреационным, чем по идейным соображениям (надо же танцующим когда-то и передохнуть!). Солируют тут в основном духовики, что вполне предсказуемо, хотя есть и весьма яркие соло гитаристов – например, прекрасно работает Алекс Шульц в «Beat Me Till I’m Blue», пусть даже название этой пьесы и вызывает определённые вопросы. Кстати, следует за ней «The Party», единственная на альбоме композиция, сыгранная классическим трио Вресснига, относительно которой у музыкантов даже случились некоторые споры – по мнению Кнофлера и Янтшера, она была слишком уж проста и предсказуема. В финальном же виде «The Party» превратилась в довольно сладкую и неторопливую пьесу, наиболее, пожалуй, близкую к тому, чего вообще можно ожидать от органиста-лидера в современном джазе развлекательного толка. Ну, а одной из самых неожиданных композиций альбома стала, пожалуй, «Sonho De Verão», выкрашенная в ярчайшие латиноамериканские цвета перкуссией Луиса Риберио и в особенности флейтой американца Крейга Хэнди (хорошо, к слову, известного российскому слушателю). Словом, Вресснигу удалось записать очень недурной и разноплановый альбом, показывающий довольно неожиданное для органной музыки направление – возможно, чуть консервативное, но весьма симпатичное. Говоря, что он с удовольствием начал бы концертировать и с таким составом, Врессниг, безусловно, не лукавит: состав получается хороший – да и как может получиться плохим состав с такими солистами, как тот же Хэнди или Гарри Сокаль?

Публикация: сетевой журнал «Полный Джаз» (01.07.2012)

Рубрика: рецензия | Метки: , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , , | Добавить комментарий

Hamid Drake & Bindu. «Reggaeology»

Rogue Art, 2010

Hamid Drake (dr, tabla, frame drum, vo), Napoleon Maddox (vo, beat box), Jeff Parker (g), Jeff Albert (tb, org), Jeb Bishop (tb), Josh Abrams (db)

Третий диск проекта Bindu, возглавляемого Хамидом Дрейком, подарил слушателям довольно неожиданный экскурс в регги – неожиданный в первую очередь не потому, что выбран в качестве ориентира сам этот стиль, а благодаря подходу. Дрейк известен как человек в достаточной степени авангардный, и уже от самого инструментального состава (два тромбона при полном отсутствии других духовых и бит-бокс) можно ждать довольно смелых экспериментов. Собственно, с них и начинается: первые две минуты эпической двадцатиминутной пьесы «Kali’s Children No Cry» представляют собой выведенную за рамки всякого ритма и гармонии свободную перекличку этих самых тромбонов, би-бокса и перкуссии лидера. Слушатель, не готовый терпеть, вполне может предположить аналогичное положение дел со всем остальным материалом альбома и классифицировать его как очередной специфический стёб в отношении очередного специфического концепта. Однако через пару минут этого своеобразного вхождения в материал Дрейк ударяет по барабанам, гитара Джеффа Паркера начинает подквакивать на слабую долю хорошим гнусавым тембром, а два тромбона Джеффа Алберта и Джеба Бишопа дают унисонную пачку, которая сразу задирает планку альбома на немыслимую высоту: выжать столь качественный, неожиданный и удачный звук на первом же подходе к станку – это дорогого стоит.

Семь пьес «Реггилогии» очень разнообразны, но объединены единым ощущением: Дрейк ни в коей мере не пытается играть регги (ни современный, ни корневой, ни авангардный), но высококлассно объединяет идеи этой музыки с джазом школы Чарлза Мингуса. Налицо все фирменные штрихи: ненормальный инструментальный состав, грязные и вроде бы недоработанные аранжировки, непредсказуемый по первому впечатлению выход солистов к рампе, кажущаяся затянутость, своеобразный саунд, вычурный вокал с элементами декламации и откровенного паясничания. И налицо фирменный результат: чистое удовольствие, в которое всё это превращается, ощущение свежести, осмысленности и хорошей спонтанности происходящего. Если «Kali’s Children No Cry» как бы вводит слушателя в материал, закрепляя в сознании ритмический рисунок и раскачку регги, то следующая «Hymn Of Solidarity» берёт совсем другой темп (гораздо менее расслабленный) и акцентирует внимание на каких-то почти ритуальных аспектах музыки, заставляя чуть ли не пускаться в экстатический сумасшедший пляс (тут интересная именно активная «рубка» ритм-секции и прекрасная работа самого Дрейка с активным использованием тарелок, подложенная под довольно расслабленную перекличку солистов). Потом будет «Kali Dub», вызывающая устойчивые ассоциации с бесстыдным словом «досуг», настолько неприлично музыканты расслаблены, позволяя себе среди прочего и отдельные импровизационные фразы в стилистике скорее диксиленда, играющего гипертрофированные баллады на потеху отдыхающим туристам. Потом идёт «The Taste of Radha’s Love», построенная вокруг неторопливого рисунка барабанов табла, со вполне серьёзным и вдумчивым речитативом, осторожной гитарной вязью и реющими в отдалении тромбонами – прекрасная философская пьеса, открывающая очередную новое возможное отношение к регги-ценностям. И, безусловно, сильнейшей впечатление производит завершающая «Take Us Home», где Дрейк среди прочего играет на обычном бубне: это уже полноценная медитация, которую надо бы не слушать из колонок, а наблюдать вживую у ночного костра, раскачиваясь в такт.

«Реггиология», возможно, не станет откровением и новым словом для тех, кто увлекается регги как таковым, а кого-то из ценителей жанра, возможно, даже и отпугнёт своей чрезмерной глубиной. Но для тех, кто пока не специалист, она может стать куда более весомым аргументом к внимательному ознакомлению с этой музыкой, чем сколь угодно большие хиты Боба Марли или Питера Тоша.

Публикация: сетевой журнал «Полный Джаз» (01.07.2012)

Рубрика: рецензия | Метки: , , , , , , , , , , , , , , | Добавить комментарий